Lenguajes en papel 2013

Publicado

 

Dèbora Arango

Luis Caballero

 
Febrero 05 a Marzo 01 de 2013

Esta muestra reúne dos de los más importantes artistas colombianos del siglo XX, Débora Arango, con bocetos de los años cuarenta y Luis Caballero con dibujos de los sesenta a los noventas.

Aunque aparentemente opuestos, se encuentran en un punto común, el interés en el desnudo del cuerpo humano, temática que en su tiempo escandalizó al público.

Ambos dibujantes, toman como partida para sus obras el boceto, siendo éste un ensayo, un intento, una aproximación a su mundo, a sus obsesiones, sus recuerdos, sus necesidades y frustraciones.

Los bocetos de un artista son la esencia de su obra, repitiéndose una y otra vez hasta lograr lo deseado. En Débora se ve su ansiedad por mostrar la condición femenina y en Caballero su gusto por la belleza masculina.

Tanto Caballero como Débora son figurativos, realistas, violentos y expresivos en el erotismo; una relación amorosa y sexual que inevitablemente despierta inquietud en el espectador. Cada uno a su manera, cada uno en su tiempo. Ella más carnal y el más sensual. Ella más evidente en su crítica social y política; él más desgarrador en su sutileza.

El dibujo es una obsesión, el boceto su expresión.

Boletín de prensa

                                                                                                                       LENGUAJES EN PAPEL

Para esta cuarta edición de Lenguajes en papel, la Galería El Museo tiene el privilegio de reunir más de 50 obras de dos grandes y reconocidos artistas que en su respectiva época marcaron una diferencia determinante en la manera de asumir y ver el arte, tanto conceptual como formalmente.

Débora Arango (1907 Medellín – 2005 Envigado) revolucionó el arte colombiano con su trabajo, que se inscribe estilísticamente en el expresionismo, el cual la llevó a combinar de una manera única el color, la línea y el trazo exaltado, con temáticas que van desde el bodegón, el costumbrismo, el desnudo ,y la problemática política y social del momento, con la irreverencia que la caracterizó a ella y por supuesto a su trabajo.

Para esta exposición contamos con más de 30 obras, que nos permiten hacer un recorrido temático, cronológico y formal a través de la maravillosa creación de una artista que dejó una herencia de irreverencia, a la vez que contiene un marcado sentido de feminidad que resulta completamente encantador al combinarse con su exaltado trazo.

En la misma sala, las obras de Débora compartirán el espacio con otro maestro: Luis Caballero (1943 Bogotá -1995 Bogotá), quien de igual manera dejó un legado de libertad artística, irrumpiendo en los parámetros temáticos y conceptuales que el arte colombiano había establecido hasta el momento.

La exposición reúne obras sobre papel que revelan de una manera directa y estéticamente profunda, la anatomía de las tensiones y el erotismo del cuerpo, las posibilidades de la línea y la mancha, y el sentir apasionado de un artista que lo dejó todo en sus dibujos.

Es especialmente gratificante reunir estos dos grandes maestros que se han destacado en la historia del arte colombiano por tener un pensamiento ante todo audaz y revolucionario

Obras


 

Manuel Calderón. Sebastían Camacho.

Teresa Currea. Carolina Gómez.

Santiago Leal. Marco Mojica.

Carlos Salazar Arenas. Catalina Ortíz.

 
Febrero 05 a Marzo 01 de 2013

Boletín de prensa


                                                                                                                       LENGUAJES EN PAPEL, ESPACIO 2

Como espacio alterno, especialmente creado para jóvenes y prometedores talentos de la plástica, Espacio 2, Galería el Museo, reúne para la serie Lenguajes en papel, obras de ocho artistas que hacen parte importante del arte contemporáneo colombiano.

Carlos Salazar Arenas (1973, Bogotá) presenta una serie de aguadas realizadas en acrílico, las cuales como es constante en su obra, hacen referencia al conflicto, solo que en esta ocasión el artista alude a la problemática emocional y los conflictos de pareja.

Teresa Currea (1985, Bogotá) presenta su nueva serie titulada ‘Especies domesticas’, donde evidencia la relación entre un personaje y el animal; relación que se da desde lo psicológico hasta lo tecnológico. Estas creaciones de dibujo tridimensional llevan al espectador a un mundo que oscila entre la fantasía y la realidad.

La muestra incluye igualmente la obra del artista bogotano Manuel Calderón (1985, Bogotá) con una serie de dibujos titulada ‘Mecánicamente’, donde se hace presente su constante reflexión en torno al dibujo, al espacio y el concepto de repetición.

Sebastián Camacho (1982, Bogotá) con sus pinturas de carros estrellados de la serie titulada ‘Action Painted’, el artista narra el momento preciso de una acción, jugando con la pintura y el soporte, haciendo visible la acción de la manipulación del material, así como la acción misma del auto que se estrella violentamente.

Carolina Gómez, (1974, Bogotá) hace una reflexión en torno a la idolatrización de los personajes que hacen parte del mundo del entretenimiento, y como se generan estas relaciones a partir de una especie de identificación, interviniendo revistas encontradas con incrustaciones de piedras y cristales.

El ya consolidado artista barranquillero Marco Mojica, (1976) con su acostumbrada irreverencia, nos lleva a recordar los antiguos cancioneros y a su vez hace un guiño al mundo del arte contemporáneo, con dos de sus obras que hacen parte de la serie ‘Banda Sonora’.

Santiago Leal, (1983, Bogotá) expone las series ‘Nunca Mueras solo’, donde hace una apología a cinismos y las relaciones interpersonales y la serie titulada ‘Sujetos’, que se compone de dos dibujos montados sobre cajas de luz que aluden al tema de las relaciones humanas, tanto individuales como colectivas.

Obras

Manuel Calderón

MECÁNICAMENTE

Esta serie consta de 36 dibujos con una construcción aparentemente idéntica, una cuadricula que soporta a un personaje. Aunque a simple vista pareciera ser la misma imagen, se observa una pequeña variación en el gesto y posición de cada figura, de esta manera cuadro tras cuadro se evidencia una acción. Condicionado aparentemente por los límites de la pequeña cuadrícula, el personaje se desplaza sobre este espacio haciendo un recorrido circular que retorna al punto exacto de partida.

El personaje soy yo, es mi cuerpo, nuevamente como en otros proyectos, lo utilizo como evidencia. Es el que construye y dibuja a través de gestos de largo aliento, pero también, es una herramienta que describe y da cuenta de su relación con el espacio, una relación que hace presente un condicionamiento. Esta colmado de sensaciones provenientes del habitar, de recuerdos de lugares en los que me he desplazado rutinariamente, sobre los cuales he construido mi vida y que han dejado en este, mi cuerpo, un rastro visible, así como en mi comportamiento.}

“Metro Cuadrado”

Sebastían Camacho

Una forma de realidad Por Daniel Montero

Es evidente que cuando una superficie plana se dobla se forma un volumen que puede ser geométrico o completamente irregular. La pregunta que queda después de leer esa expresión lógica es qué pasa cuando ese volumen está configurado no solo por la superficie sino por lo que está representado en ella. El trabajo de Sebastián Camacho muestra esta situación, al arrugar sistemáticamente las superficies de sus pinturas en las que se pueden ver autos accidentados y a los que se les han doblado las láminas exteriores. El doblez del papel y el de la representación de la lámina coinciden, no porque sean “el mismo”, sino porque se replica realmente sobre el papel lo que ya está representado en la lámina del auto. Esa operación demuestra que lo que se está intentando replicar no es “solo” el auto accidentado sino más bien la posibilidad que tienen las superficies de superponerse en la re-presentación.

La acción de arrugar, que parece que es una arbitrariedad simulada no lo es tanto y se convierte así mismo en una acción pictórica en la que el elemento de la pintura ya no es el color o la construcción simulada de un volumen a partir del dibujo sino de la interferencia real que el fondo ejecuta sobre la figura. En estas pinturas se puede ver radicalmente que el fondo ha salido, literalmente, a la superficie haciendo que el auto representado ahí adquiera una doble dimensión: es a la vez fondo y figura. Pero entonces, qué pasa cuando lo representado se vuelve a la vez motivo de su representación. En esas pinturas el artista muestra cómo se puede crear una interferencia a partir del mismo plano que sirve como soporte. Es en ese punto cuando la acción de arrugar pasa a ser una acción pictórica en sí misa porque se crea un volumen, pero esta vez ya no como ficción sino como realidad que se ve en la superficie.

Así, el trabajo de Camacho cuestiona la noción de realidad y de representación porque, de alguna manera, la realidad siempre es re-presentación. Al doblar las superficies, la pintura adquiere singularidad de la misma manera que un auto con un defecto de uso se singulariza de sus pares salidos de la cadena de montaje. En ese sentido el doblez, que aparece como un defecto, podría ser al mismo tiempo, una característica de identidad. Doblar una superficie tiene implicaciones que van más allá de la creación de volúmenes, y el trabajo de Camacho sabe aprovechar esa circunstancia de la mejor manera: un auto accidentado, doblado y singularizado es al a vez una superficie que ha dejado de ser representativa para volverse presencia. Una forma de realidad.

“Action Painted”

Teresa Currea

Especies Domésticas Por: Erika Martínez Cuervo

Unas líneas esbozadas sobre un papel pueden ser el dibujo mismo, pero también pueden no serlo en el sentido de la obra de arte. Pueden ser la proyección de lo que será “EL DIBUJO”. Pero en todo caso se nos muestra (se nos presenta) como dibujo y engendra algo otro, eso que está más allá del dibujo como cosa, como objeto. Entonces ¿qué nos está diciendo ese dibujo?, ¿cómo se nos pone al frente?, ¿es sólo un dibujo?

La serie Especies Domésticas que presenta Teresa Currea para esta exposición engendra de algún modo lo que se refiere en el párrafo anterior. Aunque nada en sus construcciones visuales nos oculta su “ser dibujo”, las escenas que representa y las relaciones entre los personajes y los objetos que dibuja mantienen un aire inquietante que va más allá de la estética – casi impecable – que caracteriza el trabajo de la artista. Unos dibujos que han escapado de la planitud, que han sido traídos al frente a través de capas (layers) a la manera de la clásica idea de los dioramas. Animales de especie inclasificable conviven con humanos en escenarios cotidianos, cierto tipo de extrañeza invade esas imágenes, susurra.

La idea de la artista ha sido representar precisamente esa sensación de extrañeza a través de unas especies “¿domesticadas? – “¿domesticables?”, figuras tímidamente monstruosas que en vez de producir espanto o asombro, entregan cierta comodidad y armonía. Currea parece apostarle a un juego irónico donde la imagen de lo extraño es amable, incluso guarda un halo de afecto por la manera en que interactúan los personajes y las cosas. Construye hábitats imposibles donde la tensión es protagonista.

Esta serie específica compuesta no sólo por dibujos de mediano formato sino también por una pieza, presenta algunos de los riesgos que la artista ha desarrollado en los últimos meses. Sus figuras y sus escenarios se han salido de las cajas en las que habían estado contenidos. Las intenciones de Teresa Currea se dirigen hacía lo instalativo, el espacio de exhibición es ahora la caja, el contenedor de una imagen total. Eso “algo otro” de su dibujo en “3D” se potencia por las características que le otorga una nueva concepción del montaje, lo que de manera consecuente afecta la carga simbólica de su obra. Con este proyecto la artista refuerza la idea de poner en escenarios paradójicos personajes que oscilan entre humanos y animales, hipotéticas relaciones surgen entre éstos con un tipo de naturalidad sospechosa; son mundos ficticios ensamblados donde hay un pensamiento sobre lo escenográfico y que de manera inevitable nos dicen algo sobre lo que se podría nominar pre-cinematográficos. Ni el dibujo, ni la idea de lo cotidiano son en Especies Domésticas lo que parecen ser. Se trata más bien de situaciones ambiguas que mantiene una íntima conexión con los imaginarios de infancia, ¿acaso es el intento por constituir una sutil representación de lo siniestro?.

Carolina Gómez

Mirror Stone Carlos Hurtado

“Uso las revistas de moda de segunda mano como soporte para la incrustación de cristales, son revistas cuyo contenido tal vez podría ser obsoleto en el deseo de “estar a la moda”, archivos de papel que sello, anulando su contenido.; perforo, desfigurando el personaje de la portada, para finalmente incrustar cristales de distintos colores y tamaños”.

                                                                                                                                                                                                                                                                       Carolina Gómez

La obra “Mirror stone” de Carolina Gómez, plantea una reflexión alrededor de la manera en que se construyen los iconos en la sociedad, referencia la forma en que las celebridades se han convertido en modelos a seguir.

Pero son modelos inalcanzables, que deben mantener prudente distancia con el resto de los mortales por sus virtudes físicas o intelectuales y están destinados a la contemplación, como las joyas que Gómez posa sobre sus rostros y que sugieren a la vez el valor fundamental de estas figuras que en muchos casos se convierten en un motor de motivación para jóvenes y activistas de la sociedad, se trata de una reflexión que adicionalmente permite revaluar el valor de lo superfluo.

Santiago Leal

Nunca mueras solo
Sujetos

Estos 4 dibujos de hombres salen de la instalación NUNCA MUERAS SOLO, que se compone de mil dibujos de papel donde se puede transitar entre ellos.

Los dibujos estaban divididos en cuatro secciones, el hombre común, el hombre de fantasí¬a, el hombre del deseo y el anónimo.

Estas representaciones están hechas en papel vegetal perecedero igual que el de las invitaciones de algunos matrimonios, haciendo una apología al hombre venerado para cumplir arquetipos de matrimonio.

SUJETOS (De lo anónimo de la turba a la aparición del individuo):

En estos cuatro dibujos se hace un proceso de selección pasando de los anónimos de la turba hasta llegar a un acercamiento donde aparece el concepto de individuo.

Marco Mojica


Banda Sonora

“Desconfío profundamente del mundo del arte, de hecho desconfío de todo aquello susceptible de ser editado, eso no significa que no disfrute de buenas ediciones, de hecho si no esta editado, me importa muy poco, recuérdese que soy ante todo un espectador. En mi trabajo prevalece mas la figura del espectador que de el creador, toda mi obra trata mas sobre las preguntas de quien ve mas que de quien crea…bueno eso creo.

Toda mi obra es el resultado de mi particular afición por el collage, la descontextualización y re contextualización de una imagen es a mi juicio una herramienta eficaz para generar terceros significados a partir de imágenes ya existentes. La apropiación de imágenes del mundo del arte me permite explorar mis dudas al respecto, resultando dibujos y pinturas que ironizan los fundamentos convencionales que definen la esfera del arte.

Mi trabajo explora las posibilidades de una imagen del mundo del arte contemporáneo en un contexto ajeno a sus propios lineamientos, es decir, contextualizado en técnicas como la pintura y el dibujo, con giros inesperados que con humor evidencia mis dudas con respecto a esta experiencia cultural que llamamos arte.

No suelo escuchar música, de hecho se muy poco de música, sin embargo esta serie está relacionada con la música y más que con la música, con las letras de las canciones. Hace algún tiempo (no sé si aún existan) existían unas revistas llamadas “cancioneros”, eran publicaciones con las letras de las canciones más populares del momento, acompañadas con las imágenes de los artistas correspondientes. Banda Sonora es una variante de estas publicaciones, la imagen de un libro se repite en uno y otro dibujo en cuyas páginas aparece de un lado una imagen icónica del arte contemporáneo y en la otra página una canción con un título igual o relacionado con el título de la obra en cuestión”.

El resultado, una delirante asociación entre imagen y letra (si te sabes la canción, mejor) en gran medida producto de azar (Google es estupendo!) véase por ejemplo lo bien que se llevan SPAGHETTI de Tanya Donelly y SPAGHETTI MAN de Paul McCarthy.

“Banda Sonora”

Carlos Salazar Arenas

Relaciones de pareja

Mi trabajo siempre ha partido de una recopilación de imágenes presentadas en diferentes medios de prensa, conflictos y problemáticas de la sociedad actual. En esta ocasión, construyo yo las imágenes haciendo alusión a problemáticas de pareja, tema de gran actualidad hoy en día.

Los conflictos relacionados con la pareja, la soledad y la compañía, asaltan con relativa frecuencia a los sujetos. Aunque es una forma de conflicto privado, genera angustias y ansiedades en la gran mayoría de nosotros. Esta serie, pretende dar cuenta de cómo la pareja se relaciona a veces desde el juego, otras desde el conflicto, o incluso desde cierta ausencia compartida. El trabajo sobre papel de fique permite explotar valores plásticos, que no se podrían hacer latentes sobre papeles industriales producidos en masa o sobre otro tipo e soportes más rígidos. Esta serie, no sólo trata un tema común que nos convoca y nos afecta, sino que además es la excusa perfecta para explorar sobre un material como el papel de fique, que nos brinda muchas posibilidades para ser trabajado.

Catalina Ortíz

Textos Abecedarios

Los Abecedarios Emocionales son varias series que constan de 24 dibujos, cada uno de ellos es la des-encarnación de un sentimiento y uso el abecedario como una especie de partitura lingüística. Por cada letra una emoción. No es nada premeditado, en realidad estos dibujos son la crónica de un largo viaje de 14 años atravesando mis propias entrañas. He sido una viajera incansable en términos metafóricos y digo viajera porque ahora se que ese es mi destino y mi condición; viajar hacia dentro para descubrir el infinito que es el propio ser. Borges habló de ese infinito en su cuento El Libro de Arena…Siempre me gusto ese cuento y me encantó el título.

Cada dibujo y cada letra es una sorpresa para mi, son pequeñas aventuras que han ido convirtiéndose en material muy útil para mi, pues al cabo del tiempo voy entendiendo por que los hago, me retroalimentan y me enseñan y se van transformando y me van transformando. Cada vez las emociones allí expresadas son mas desinhibidas, están mas desnudas, y son menos diplomáticas.

“Abecedarios Emocionales”