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La Galería El Museo abrió sus puertas en 1987 en Bogotá, Colombia como un proyecto enfocado en desarrollar y promover el mercado del arte colombiano a nivel local e internacional, a través de la representación de artistas, colaboraciones con otras galerías, exposiciones en museos y participación en ferias de arte internacionales. Los artistas representados por la Galería El Museo son seleccionados periódicamente basados en sus aportes al desarrollo de las artes visuales. En 2001 la Galería El Museo abrió la Galería Fernando Pradilla en Madrid para construir un puente entre las escenas artísticas latinoamericanas, españolas y europeas. La Galería El Museo ha representado a través de su historia a importantes artistas internacionales tales como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Débora Arango, Luis Caballero, Carlos Rojas, Nadin Ospina y muchos otros.

Dalita Navarro «Viaje al corazón de la arcilla»

Espacio Proyectos

Mayo 9 a Junio 30 | 2018

 

 

La ceramista Dalita Navarro confiesa con realismo que quiere volver a lo elemental, a lo más primitivo, sencillo y genuino, por ejemplo, disfrutar con la forma de un tazón o con el breve contenido del cuenco de la mano, formas o vasijas que guardan recuerdos. Porque el cuenco puede ofrecer líquidos que dan dulzura y placer; también dan ebriedad y amargura. En fin, cuencos de agua quitan la sed y dan plenitud al ser.

Y esas piezas cardiales -milenarias en sus recuerdos de siglos, de años, de días, de horas- tienen siempre en sí mismas la forma del corazón que rescatan las manos de Dalita de la hondura de los sentimientos, de las tristezas y las alegrías; de los grabados sutiles que tiene la tierna piel de la arcilla y sus formas expresivas de corazón.

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PINTURA INMORTAL 2018

Galería

Marzo 7 a Abril 30 | 2018

 

 

Para muchos es un hecho consumado el que se declarara la pintura como un “lenguaje muerto”, del que no quedan más que vestigios. Los cuales se convirtieron en partes de un cadáver que era devorado o se consumía en el desierto de la incomprensión. Muchos la lloraron y aun lloran, y otros la defienden sin que la pintura lo requiera o le interese por ese llanto o su defensa. La pintura misma ha sobrevivido y sobrevivirá a todos los embates a los que se le ha sometido a través de la historia. En los años 90 fue vista como extensión decadente de una modernidad que acabó con todas las utopías. La pintura proscrita se camufla y resucita evidenciando su fragilidad y desnudez sin ningún pudor.

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Gonzalo García «Blow me up»

Espacio Proyectos

Marzo 7 a Abril 30 | 2018

 

 

Gonzalo García (Bogotá 1981), presenta en el Espacio de Proyectos su más reciente propuesta “Blow me up” o “Hazme estallar”, serie en la cual el artista se interesa inicialmente por imágenes extraidas de internet y fotografías tomadas por él mismo, tomando como punto de partida la infinidad de posibilidades plásticas que se encuentran en el acto de masticar un chicle y la suerte o accidente que surge después al soplar un globo con esta goma.

En estas obras, todas pintadas en acuarela sobre papel sintético, se logra evidenciar el interés del artista por el detalle minucioso, la superficie y el plano pictórico generado en la acción de soplar y el posterior acto de reventar el globo.

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Lenguajes En Papel 2018

Galería

Enero 27 a Febrero 27 | 2018

 

 

Es una muestra colectiva donde el papel es el protagonista y se destacan sus infinitas posibilidades plásticas como medio de expresión en la práctica artística contemporánea. La exposición cuenta con la participación de más de 60 artistas colombianos e internacionales quienes abordan sus procesos de creación explorando el papel, no sólo como soporte o material, sino como un elemento compositivo y discursivo.

Las nuevas tecnologías han puesto a disposición de los artistas un amplio repertorio de herramientas técnicas y materiales, donde el papel, en sus diversas variantes formales y combinatorias, les ofrece la libertad de experimentar y de descubrir nuevas vías de expresión.

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Camilo Bojacá

Espacio Proyectos

Enero 27 a Febrero 27 | 2018

 

 

El paisaje natural se transforma en paisaje económico como consecuencia de la acción del hombre, quien busca usufructuarlo y consumirlo. Es casi inevitable, que todo paisaje natural se perciba como un paisaje económico potencial a la espera de la llegada de la acción humana para experimentar este cambio. El trabajo de Camilo Bojacá indaga en la relación entre el consumo, la explotación y la transformación de los recursos naturales, presentando las dos caras de la moneda. Por un lado, le interesa captar la vulnerabilidad de la naturaleza y como esta se ve indefensa ante la intervención humana. Por el otro lado, muestra en sus dibujos al campesino como guardián de la naturaleza, quien metafórica y literalmente, la lleva a cuestas.

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30 AÑOS

Galería

Noviembre 29 – Enero 26 | 2018

 

 

La exposición refleja la relación con artistas de la Galería de diversas generaciones y de diferentes lenguajes plásticos que han sido representados por ella en sus tres décadas de trayectoria. Junto a las obras de reconocidos artistas como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Carlos Rojas, Juan Antonio Roda, Débora Arango, Ana Mercedes Hoyos, Bernardo Salcedo, Luis Caballero, Freda Sargent y Álvaro Barrios, entre otros, se encuentra el trabajo de otros artistas de una generación intermedia que son o fueron parte de la galería como Gabriel Silva, Jaime Franco, Óscar Muñoz, Luis Fernando Roldán, Vicky Neumann, Nadín Ospina, José Horacio Martínez, Adriana Duque, Marco Mojica y Lorenzo Jaramillo.

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ABSTRACCIÓN

Galería

Octubre 24 a Noviembre 23 de 2017

 

 

La exposición colectiva Abstracción cuenta con obras de 15 artistas brasileños residentes en la ciudad de São Paulo, e incluye fotografías, pinturas, esculturas, objetos, vídeos, dibujos y acuarelas. Se trata de un proyecto articulado por los propios artistas participantes, desde la definición del propio concepto de la muestra hasta la elección de cada uno de los trabajos a exhibir. De estas reuniones y encuentros en Ateliê Fidalga ha nacido la exposición “Abstracción”, una propuesta enfocada en la reflexión sobre las distintas posibilidades de entendimiento/significado del término abstracción. Cada artista ha desarrollado un proyecto para propiciar el diálogo y ampliar el concepto de abstracción, teniendo en cuenta la tradición e influencia de este movimiento en el arte contemporáneo y, sobre todo, en el arte brasileño.

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Cristian Salineros «Cuatro pautas para un paisaje sin tiempo»

Espacio Proyectos

Octubre 24 a Noviembre 23 de 2017

 

 

Cuatro pautas para un paisaje sin tiempo, es la primera exposición del renombrado artista chileno Cristián Salineros en Colombia. Considerado como uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo de su país, las obras de esta muestra reflejan la indagación que hace el artista en torno a las relaciones espaciales y la forma escultórica.

La exposición se compone de diversos elementos, principalmente de una jaula-escultura ubicada en el centro de la sala, habitada por cuatro canarios criados en cautiverio.

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Sebastían Dávila «Monólogos»

Galería 1er Piso

Septiembre 13 a Octubre 18 de 2017

 

 

La diferencia entre una presentación y una representación reside en que la presentación es en sí misma y la representación es a nombre de otro, por esta razón es que las esculturas de Sebastián Dávila (Bogotá, 1981) no son maquetas de un espacio pensado en otra dimensión, su dimensión es la que presenta cada obra, y lo que asombra en ellas es que invitan al espectador a imaginarse dentro, experimentando las tensiones que surgen de los materiales, las sillas, las escaleras y las fundiciones de concreto que plantean interrogantes cuya respuesta permanece como una incógnita que cada observador resolverá de acuerdo con su imaginación.

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Vicky Neumann «Doméstico Alterado»

Galería 2do Piso

Septiembre 13 a Octubre 18 de 2017

 

 

En Doméstico alterado, Vicky Neumann (Barranquilla, 1963), se apropia de algunas obras clásicas de la historia del arte como los Cartones de Goya (1775-1792), la Sagrada Familia de Bartolomeo Cavarozzi (1619) y el San Juan Bautista de Caravaggio (1609), para intervenirlas y re interpretarlas mediante el uso del collage, la puntada como trazo, la fotografía y los residuos de pintura que el azar reúne, generando así distintas versiones de la misma imagen, como si se tratase de una escena en movimiento.

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